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Para terminar con esta serie empezamos con la madre patria: España. Un gigante invernadero que según mi interpretación asocia la experiencia de viajar con la de comer. Muy acertada en mi opinión, sobre todo cuando se trata de un país como España.

Lo de viajar parece estar representado por las valijas voladoras que contienen diferentes nutrientes: fibras, vitaminas, minerales, etc…

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…y lo de comer está representado obviamente por los platos, en una sala con paredes-pantalla y pavimento-pantalla que nos muestra todas las cosas ricas que se pueden comer en España.

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Siempre en el tema del viajar pasamos por una galería con pasajes españoles que termina en una sala donde llueven hojas de papel que tienen escrito palabras relacionadas con el comer en diversos idiomas.

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Luego de otra parada técnica en una de las estaciones de niebla refrescante, llego al pabellón estrella de toda la expo, galardón más que merecido: UK.

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Sin dudas el más fotogénico, surreal y hasta divertido de toda la Expo. Pensé que mi destino iba a ser verlo solamente desde afuera pero el mismo destino quiso que la cola fuera suficientemente fluida como para motivarme a entrar.

El recorrido empieza con una especie de laberinto de madera con huecos a través de los cuales se puede aprender sobre la vida de las abejas en general con gráficos muy hip y divertidos que podrían alegrar y entretener cualquier eventual larga espera. Menos mal que no fue mi caso.

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Y después, de repente bam!

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Cual abejitas, volando a la altura de las flores, nos aproximamos a la gran colmena de metal.

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Una vez dentro, es toda una experiencia, incluído la piel de gallina cada vez que un ligero cálculo estuctural pasa por la mente y surge la pregunta: realmente esas varillitas de metal aguantan tanta gente? Pero el profesional interior nos tranquiliza y nos recuerda que detrás de la estructura existen coeficientes de seguridad y sofware para el cálculo estructural además de profesionales perfectamente capaces formados en las mejores universidades del mundo.

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Así fue como después de las fuertes emociones experimentadas en el pabellón británico, decidí buscar algo de paz en un país personalmente muy querido por mí: Hungría. En sí a nivel estético y proyectual ofrecía poco, más que ese gran espacio dentro de una especia de barril-arca que en el momento de mi visita esta lleno del maravilloso sonido de un artista tocando el címbalo húngaro, típico de las poblaciones gitanas.

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El clúster de especias me hizo venir unas ganas de estar en alguna playa del sureste asiático o de la Polinesia tal que fue difícil resistir las ganas de salir corriendo hacia el aeropuerto y tomarme el primer vuelo disponible a alguna playa remota y paradisíaca.

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Los pabellones de Argentina (izq) y Colombia (der) eran prácticamente imposibles de visitar para una persona impaciente como yo. Sólo mi amor por los alfajores Havanna logró convencerme, ya a la noche, de hacer unos minutos de cola para poder degustarlos.

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De China ya había tenido suficiente por dos años y medio, pero tenía cierta nostalgia, aunque no tanta como para hacer una cola de dimensiones chinas.

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El de Tailandia no me atraía particularmente a pesar de ser un país que adoro, Bangkok es una de mis ciudades preferidas y amo su gente, pero el hecho de justamente estar acompañada de mi amiga Tailandesa y poder evitar la cola me dieron la motivación que necesitaba y de todas formas era atractivo y entretenido como experiencia audiovisual.

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El de Belarusia no me entusiasmaba particularmente porque he escuchado de primera mano cómo es la situación política en el país y no me parece de lo más alegre, pero el show de bailes tradicionales fue uno de los más divertidos que vi en toda la expo y de la cara de la gente me hubiera costado deducir que viven bajo un regimen dictatoria opresivo.

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Lituania estaba lleno de esos diseños eslavos que me gustan tanto.

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Corea en ese momento era un país al que me sentía ligado emocionalmente pero que aún no había visitado y sabía que sería un peso pesado, original y con muchos recursos, siendo un país con tantas particularidades y tradición culinaria única. No defraudó.

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Cromáticamente se basaba en el blanco y negro y sustancialmente se basaba en átomos, moléculas y…calorías. Ay los asiáticos y su manía con el peso.

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Estos “globitos” mostraban cómo la grasa crece en el cuerpo de una persona mientras engorda. No apto para corazones sensibles.

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Pero las reinas del pabellón eran las vasijas para hacer kimchi, y todo lo que tenga que ver con el kimchi o verduras fermentadas.

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El de Bélgica era algo así como bipolar, con un sótano dedicado a la saludable hidroponia en sus diversasa facetas y un hall enorme dedicado al grano de cacao y su sub-producto más maravilloso: el chocolate.

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Como estructura no era nada de particular pero estaba decorado con mucho gusto como es de esperarse de los belgas.

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A Angola entré por curiosidad y al menos “visité” un país sin habérmelo esperado.

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El de Bahrain era poco pretensioso pero inteligente e interesante y uno puede sentir esa sensación de frescura que seguramente siente al pasar del sol abrasador de estos países desérticos a los frescos interiores a la sombra. Inspirador para una
amante de los patios interiores.

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Nepal era para mí una visita obligada por tantos motivos: el ambiente budista-tibetano con todo y su templo, cantos de mantras, banderas coloridas y humo de incienso. Además de proveer reposo psicológico invitaba a reposar el cuerpo en las cómodas reposeras alrededor de un estanque interior. Un verdadero paraíso, lástima que las reposeras no bastaban para todos.

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De República Checa me esperaba un poco más que un bar donde poder tomar una Pilsner Urquell, en cuanto productor de una arquitectura y objetística (arte en general, vamos) tan particular y estimulante.

De todos modos rescato los jardines oscuros que parecían sacados de algún lugar de la Tierra Media y algún que otro detalle.

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Una vista del pabellón de Israel de noche. los reyes del riego apostaron por una pared vertical para demostrar cómo se puede cultivar arroz en el desierto. Muy interesante, pero tengo que admitir que si entré fue para unirme a la fiesta disco que se estaba celebrando dentro y no por motivos reportísticos.

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Por motivos narativos decidí dejar el pabellón de Uruguay para el final.

Implicaba una espera de al menos media hora, pero por obligación cívica y moral decidí hacerla, aunque después de mi experiencia en el pabellón de Tailandia en el cual pude saltar la cola gracias a estar acompañada por mi amiga tailandesa, pienso que podría haberme ahorrado también la uruguaya. Pero Tailandia es Tailandia y Uruguay es Uruguay, así que no estoy 100% segura de que hubiera sido así.

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Donde está Uruguay hay candombe…y algún toque de surrealismo…

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Aunque poco después me enteré de que con las sillas se intentaba guardar espacio para los bailarines de tango.

La experiencia audiovisual consistía en presentar a Uruguay como un país natural pero en la vanguardia en cuanto a la gestión de los recursos con la ayuda de la tecnología, un país idílico, limpio, libre, feliz y democrático, de gente sencilla pero capaz de lograr cosas increíbles con la garra charrúa y la viveza criolla usadas en la dirección correcta y no para regirse por la ley del mínimo esfuerzo.

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Y me hizo realmente creer en que Uruguay podría llegar a ser justamente eso…si sólo los 3 millones estuviéramos de acuerdo y nos remangáramos la camisa para lograrlo, lo lograríamos. Y lo digo con todo el dolor y la impotencia con el que lo puede decir un emigrado que se cansó de ver cómo el propio país se ríe y burla de ese sueño, mientras hipócritamente le muestra al mundo una cara maquillada y falsa como las máscaras del carnaval.

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Este capítulo lo empezamos a la grande con quizá el pabellón más requerido por todos y que superó ampliamente cualquier record de asistencia, largo de cola y tiempo de espera.

Menos mal que estaba dividido en dos áreas, para una había que hacer cola y para la otra no, así que no pude evitar dar una ojeada. Y no me arrepentí: el olor que había ahí dentro (una especie de plaza de comidas con una escenario donde cantaba una geisha y donde invitaban a todos a probar los fideos soba) era tan pero tan japonés que me transportó inmediatamente a mis días de viaje en aquel país hace ya diez años. Y me hizo pensar en cómo por más que viajemos a un lugar, nos podemos llevar un souvenir, muchas fotos, videos con sonidos, algún que otro snack o ingrediente para cocinar en casa, pero el olor de un lugar jamás lo podemos embotellar o empaquetar, y lo podemos llevar con nosotros sólo en los recuerdos. Pero estos olores son indescriptibles, y sólo estar en el propio lugar o sentirlo tan perfectamente reproducido como lo estaba en el pabellón de japón nos puede hacer recordarlos y experimentarlos nuevamente. En fin, puedo decir que en pocos minutos viajé aromáticamente por Japón estando en suelo Italiano. Magnífico.

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 Una pasada veloz por el de Marruecos, país que me encanta pero que tengo ya bastante trillado.

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Y llegamos a Turquía que es un mi país “espina” porque me muero de ganas de conocerlo pero cada vez que estoy pronta para comprar el pasaje sucede algo que me impide viajar (que la peste aviar, que el golpe de estado, que ataques terroristas…). El pabellón tiene una estructura más bien abierta con diferentes puntos de atención que se concentran en varios aspectos de la cultura turca.

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Lo de las manos que ofrecen especias para oler me pareció una idea fantástica al inicio, hasta que me di cuenta de que implicaba poner mi nariz donde la habían puesto ya millones de personas así que decidí pasar de la experiencia y simplemente admirar la idea. Otros detalles eran realmente exquisitos.

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Después de una refrescada en las pérgolas vaporizadoras llegué a Estados Unidos que estéticamente hablando es muy estadounidense en el sentido industrial y anodino y desde el cual se podía apreciar el igualmente anodino pabellón de China Corp. OK, el “muro verde/vegetal” del pabellón USA se reconoce como gesto pero me esperaba algo un poco más original y vanguardista.

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Yo empecé de atrás para adelante y visité primero la exhibición Fotoscape que incluía toda la imaginería yankee que bien conocemos.

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Después se pasa a la “gran sala” donde se ubicaban diferentes monitores con personalidades del food & beverage hablando de food & beverage como el ítalo-americano Tom Colicchio, conocido por el programa Top Chef (al menos en lo que a mí respecta).

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Meh.

El pabellón de Kuwait me hizo acordar a los viejos ejercicios de estructuras tensadas que hacíamos en la facultad y el de los tubérculos a que debo controlar mi consumo de carbohidratos.

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En el de Irán sentí la necesidad imperativa de detenerme, no solo porque es un país que hace años todo el mundo me viene diciendo que es fantástico y tranquilo para visitar, sino porque ofrecía sombra para refrescarse mientras aprendíamos un poco sobre el país.

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Particularmente interesante era el jardín interior con diferentes hierbas que se usan en la cocina iraní, así como bustos de científicos y otros personajes ilustres de la salud y la alimentación que Irán como pueblo ha brindado a toda la humanidad.

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Para redondear la experiencia y terminar de dejarme con unas ganas locas de comprar un pasaje aéro a Irán apenas salida de la Expo, mostraban un video que explicaba cómo funcionaban los qanat o sistema de irrigación que aprovechaba las pendientes del terreno para fornir de agua a amplias extensiones de territorio sin el uso de bombas, sistema que eventualmente fue adoptado por pueblos a lo ancho y largo del mundo.

Velozmente pasé por Chile, reyes de la construcción en madera y antisísmica.

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La fachada del pabellón de Ecuador estaba hecha de miles de tubitos superfinitos de aluminio pintado que generaban el efecto cortina. Muy original y coloridotengo que admitir. Ecuador está sin dudas en mi lista de países a visitar antes de morir pero la cola era tan larga que tenía miedo de, justamente, morir esperando.

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En el de Alemania tuve que detenerme absolutamente por cuestiones sentimentales, cualquier cosa que me haga sentir vagamente que me encuentro en mi país-amor platónico para mí es digno de visita.

El pabellón en sí sigue la línea de las estructuras tensadas, con piezas a forma de pétalo muy similares a las del pabellón mejicano, pero lo que tenía este pabellón, como lo tiene toda Alemania como ningún otro país en mi opinión es la calidad de los espacios públicos. No es un pabellón al que se entra como se entra a un espacio cerrado, sino que es pabellón con diferentes “espacios de acontecimientos” como decía nuestro señor Koolhaas.

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Durante el recorrido uno podía detenerse en puntos con información de las diferentes provincias alemanas. Poco didáctico si me preguntan a mí, el único punto débil.

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El de Austria cerrado y frío, lejos de representar f´sicamente los espacios y cualidades de la Austria que yo conozco, país madre de ciudades como Vienna y Salzburgo, joyas de Europa.

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Y ahora sí, llegamos a uno de mis preferidos y me emociono nuevamente de sólo recordarlo. Ay Slovenia, cuándo te conoceré? Tan cerca y tan lejos…

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Slovenia tendrá dos kilómetros de playa en el Mediterráneo, si acaso, pero el feeling playero que tiene vibra en la misma frecuencia que mi personalidad. Todo el pabellón se centra en Slovenia como país natural y para disfrutar al aire libre, promoviendo productos como la sal/arena (o arena salada o sal arenosa, todavía no terminé de entender), la simple agua de las montañanas o la miel. Un pabellón sencillo pero lleno de invitaciones a explorar y descubrir, especial para mentes curiosas como la mía.

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I definitely feel love.

Otro de mis favoritos a pesar de ser un clásico pero que ganó por haberme sorprendido con la sencillez y genialidad de la idea, perfectamente ejecutada. Podría decir que Francia es uno de los pocos países que puede irse por la borda con todas las cosas que tiene para ofrecer en cuanto a comida y bebida, los temas de la Expo. Sin embargo decidieron trabajar con la simple idea de la despensa subterránea de las casas europeas, donde se deja fermentar o afinar el vino que se hace en casa, madurar los quesos y embutidos caseros o se almacenan los víveres para pasar el invierno. El segundo toque de genialidad fue el de asociar la despensa con la idea de la caverna, dándole un efecto más dramático y dinámico. Grande Francia.

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Y termino este Bite con uno de mis absolutos favoritos, aunque conceptualmente bastante alejado del tema de la alimentación: Polonia. Etéreo, poético e intimista, un verdadero oasis dentro del hormigueo de la expo y permitía olvidar que se estaba rodeadio de miles de personas y con los ojos de todo el mundo encima.

En realidad la alimentación está subliminalmente presente en forma de cajones de manzana que son los que componen los muros exteriores del pabellón, dispuestos en forma tal que dan sensación de porosidad y levedad a toda la estructura.

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Luego de una parada para leer un poema de Wisława Szymborska entramos en un jardín interior llevado al infinito por las paredes espejadas. Representa un huerto de manzanas inspirado por la pintura “Weird Garden” de Mehoffer. Daba ganas de quedarse en ese lugar idílico, más allá del tiempo y el espacio, para siempre.

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En la planta inferior se dispuso un área interactiva, con una Bocca della Verità que volvía locos a los niños y unas vidrieras también interactivas al estilo con objetos artesanías polacas. Operando el vidrio como si de un touch-screen se tratara se podía encontrar información sobre los diferentes objetos.

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Nos vemos en el cuarto y último bite!

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En el último post nos habíamos quedado observando embobados el espectáculo de luz y color a la medianoche en el Árbol de la Vida, pero es hora de seguir avanzando, y entramos en una zona que, a mi parecer, a nivel organizacional está un poco marginada pero que vale la pena explorar de todas formas.

Allí se encontraban el pabellón Love It, diseñado para Copagri por EMBT, que contenía diferentes mostradores donde semana a semana se turnaban productores de toda Italia para exhibir y hablar de productos típicos italianos. La idea de la estructura era de prácticamente generar una cúpula que diera la idea/sensación de estar a cielo abierto como los mercados callejeros italianos, pero protegiendo físicamente el interior de las inclemencias del tiempo. Por eso los diseñadores propusieron una estructura híbrida de madera (que a su vez tiene unas dimensiones tales a modo de dar sombra al interior) y paneles de PVC que cubren los huecos entre la estructura de madera, permiten el pasaje de luz y protegen a su vez de la lluvia y el viento.

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A unos pasos nos encontramos con el gran dragón rojo de la expo: el pabellón de China Vanké. Si no fuera tan obvia la asociación diría que últimamente estoy viendo demasiados capítulos de Hannibal. Con todo respeto, pero para una amante del diseño de pabellones todo ese espacio desperdiciado me hace doler un poco el alma. Además me resisto a la forma obviamente resultante de un momento de jugueteo con diferentes efectos que ofrece un programa de proyectación 3D.

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A pesar de todo no es tan inquietante como el pabellón de New Holland, que tiene esa seudo-colina sobre la cual está aparentemente suspendida un tractor de unas cuantas toneladas. Digo aparentemente suspendida como podría decir aparentemente viniendo colina abajo para aplastar a todo aquel que no salga de su camino o que se esté bañando en el seudo-tajamar…¿en pendiente?

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El pabellón de Coca-Cola es todo lo pop que uno se puede esperar, con la silueta de la botella y el logo repetidos ad infinitum (hasta en las sillas, por el amor del cielo), todo coloreado con el clásico rojo.

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Más al fondo encontré un par de joyitas como el clúster Islas, mar y comida.

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Sin duda alguna el clúster Zonas Áridas, no solo era deliciosamente fotogénico sino que también deliciosamente aromático. Esta amante de la cocina árabe fue muy feliz olfativamente, una pena que el calor me quitara el apetito, a pesar de que el cluster ofreciera sombra y corrientes de aire fresco que aliviaban el calor.

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Y bueno, como el deber del cronista es mostrar lo bueno, lo lindo, lo malo y lo feo, les presento el pabellón de Alessandro Rosso, un grupo que se dedica al marketing y promoción de eventos, exhibiciones, viajes y congresos. El pabellón fue construído en 40 días y estaba diseñado para ser desmontado y reutilizado (desde que ha terminado la Expo no he ido a controlar si efectivamente fue así o era todo publicidad; si algún lector sabe qué fue de la vida de este pabellón, que avise). Oremos para que su próxima reencarnación sea más estéticamente placentera.

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Y así termina mi recorrido por la “periferia” de la expo, e inicia el recorrido por el decumano, eje principal a lo largo del cual se desarrolla la exhibición. Me encuentro primero con el pabellón del Reino de Omán, que recuerdo me produjo un primer impulso de entrar pero por algún motivo que ahora no recuerdo lo abandoné, y creo que tenía mucho que ver con el estilo Disneylandia del pabellón.
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El de Indonesia, sin embargo, cumplía con las condiciones de ser interesante, sin cola y ser un país que me gustaría visitar, así que me mandé, pero igual de atractivo que se veía desde el exterior, era de decepcionante dentro.
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Excepto por la muy rescatable mesa de las especies.

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Después del touch & go en el pabellón de Indonesia me adentré en el de Turkmenistán, con toda su parafernalia ex URSS, espejos, megalomanía y arabescos, esa mezcla exquisita ruta-de-la-seda de mongoles, soviéticos y árabes.

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Después de eso pasar a Estonia es un cambio poco menos que abismal. El pabellón estonio es todo diseño escandinavo con su minimalismo, autismo y toques de genialidad.

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Empezando por los sofás semi-autistas (con mini-ventanucas para de todas formas mantener el control sobre lo que nos rodea), pasando por los rincones de contemplación autista al maravilloso jardín suspendido que invitaba a sentarse y escuchar el cantar de las diferentes especies de aves, con algunas “cabinas de avistamiento” a través de las cuales se podía obtener información de las diferentes especies y ver videos de las aves en su estado natural.

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A todo eso le sumamos las diferentes cabinas con juegos interactivos y unas terrazas con vistas espectaculares de los entornos y tenemos una fórmula ganadora.

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Tengo que admitir que de Rusia no me esperaba una cosa con tanto gusto y tan interesante por lo cual dejaremos pasar algún que otro detalle kitsch/soviético. Obviamente la megalomanía y la cosa espejada no podía faltar, pero lograron conjugarlo en un único gran gesto que yo apodé la gran ménsula espejada rusa.

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El interior del primer piso estaba salpicado de paneles retroiluminados con diferentes temas como por ejemplo la planta que porduce determinado grano, o los diferentes elementos químicos que en esencia es lo que consumimos cuando comemos.

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Uno que otro poster de propaganda soviética es inevitable.

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Y se apreció la muestra de objetos tradicionales no-kitsch.

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La reina del segundo piso era una pantalla cóncava sobre la cual se proyectaban imágenes a vuelo de pájaro de Milán (como el momento en el que saqué la foto) o ciudades rusas que me hizo dar unas ganas locas de volver a ese país tan cercano e igualmente tan extraño.

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Termino esta etapa con dos pabellones que sobrevolé en el sentido de que pasé velozmente pr delante sin entrar, el de Eslovaquia (quizá porque no me parecía particularmente interesante) y el de Qatar, país que sobrevolé en el cual aterricé tantas veces y además cuna de mi aerolínea preferida, pero que nunca tuve la verdadera oportunidad de visitar. Lamentablemente, esta fue otra de esas veces: la cola era demasiado larga. A no desesperar, no faltará oportunidad, Qatar.

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The Floating Piers by Christo and Jean Claude

Cuenta la leyenda que la idea original fue sugerida al artista por el argentino Jorge Romero Brest, un historiador de arte, y hubiera sido construída sobre el Río de la Plata, pero fue a terminar en Italia, en el Lago d’Iseo, uniendo Sulzano en tierra firme con Monte Isola (que como bien lo indica el nombre es una isla-monte) y la pequeña isla de San Paolo que es propiedad privada.

Y así fue como decidí unirme a los centenares de miles de personas que también estaban decididas a hacer el peregrinaje a la instalación, como si de realmente ver a Cristo caminar sobre el agua se tratatase.

Como era de esperar las masas saturaron cualquier forma de infraestructura vial, hotelera y de restauración de toda la zona, no sólo la del pueblo de Sulzano, por lo que las autoridades decidieron limitar el acceso a los vehículos, haciendo necesario para los visitantes, el tener que estacionar su auto en localidades vecinas, a veces hasta a más de 10 kms de distancia. Para los que estén interesados en ir, se puede visualizar la situación de los estacionamientos en http://www.thefloatingpiersparking.com, pero aviso ya que no es 100% confiable, ya que no diferencia entre los parkings donde hay que pagar (15 euros tarifa diaria fija, sin posibilidad de pagar por hora) y los gratuitos, y tampoco es precisa ni actualizada la información acerca de la cantidad de lugare disponibles.

En fin, Iseo fue la localidad seleccionada para estacionar y luego de una buena media hora de buscar lugar, aún con asistencia del sitio web, por fin pude dirigirme a la parada de ómnibus, porque claro, siendo tan lejos el parking de la instalación hay que tomar el ómnibus que además pasa por todas las localidades intermedias, resultando en un viaje de otra media hora antes de llegar a la entrada de la instalación, y que tiene un costo de 5,50 euros ida y vuelta. Menos mal que al menos el ingreso a la instalación es gratuito.

El ingreso es gratuito pero sólo se permite la permanencia de 1000 personas a la vez en toda la instalación, por lo que es posible que se tenga que hacer cola (dependiendo de la hora de llegada y del día de la semana). Por suerte mi día libre era martes y decidí ir cerca de la tardecita así que no tuve que hacer ninguna cola.

El recorrido empieza ya desde la vereda y está simplemente indicado por la tela amarilla (me vienen ganas de cantar “Follow the yellow brick road” del Mago de Oz) y algunas cintas para dirigir el flujo de gente en las horas pico.

Luego de algunos metros de recorrido en una estrecha callecita se llega al borde del lago.

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Hay que admitir que la imagen es bastante impactante, aún después de haber visto miles de fotos sacadas por otras personas y renders y fotos aéreas, etc. el verla en persona sigue dando una idea de surrealidad bastante fuerte, como si estuviéramos en una de esas películas que mezclan imágenes reales con dibujos animados.

Y llega el primer contacto físico (el artista recomienda recorrerla con los pies descalzos), primero esa sensación agradable y acolchada del polietileno inmediatamente seguida por la nauseabunda sensación de estar sobre una superficie que ondula debajo de nuestros pies.

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Si bien la superficie en sí es bastante firme y da sensación de absoluta estabilidad, el estar caminando sobre una superficie que ondula, sin poder predecir exactamente en qué momento nuestros pies tocarán el suelo no es de lo más agradable, pero es también verdad que después de algunos metros uno se acostumbra.

Al llegar a Monte Isola hay que recorrer algunos metros en tierra firme (siempre sobre la tela amarilla) para llegar a otro puente que une Monte Isola con la isla de San Paolo. Este tramo es bastante tramposo ya que a pesar de ser firme uno sigue teniendo la sensación de que se está moviendo.

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Creo que las imágenes hablan por sí solas y está de más decir que el que tenía pensado hacer un picnic o tomar sol sobre el puente será forzado a reconsiderar sus planes debido a la gran cantidad de personas que caminan en todas direcciones. Noté que muchas que tienen problemas con el equilibrio hacen recorridos zigzagueantes e inciertos que dificultan la navegación de las personas que somos un poco más precisas en nuestros recorridos, así que prepárense para unos cuantos encuentros al mejor estilo autitos chocadores.

Y obviamente hasta la fauna autóctona está sorprendida de todo el movimiento y quiere participar del evento.

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Acá empieza la parte del recorrido que une Monte Isola con la Isla de San Paolo, o más bien, une Monte Isola con la pasarela que une Monte Isola con la Isla de San Paolo.

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Al llegar a la intersección se tienen vistas bastante interesantes y con un poco más de aire.

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Y ahora todo lo que nos queda es rodear la isla y volver a Monte Isola, ya sea por el mismo camino o tomando la otra pasarela San Paolo-Monte Isola, que alarga un poco más el recorrido, para cruzar nuevamente a Sulzano por el único puente que lo une a la Isla.

Al final, luego de un breve pasaje por el pintoresco centro histórico de Sulzano, nos despedimos del camino amarillo.

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En total, el recorrido de unos 3 kms totales (aunque la obra en total es de 4.5 kms), sin detenerse y a un paso medianamente energético, lleva unas dos horas. A eso hay que agregarle las eventuales paradas por comida y bebida para los interesados en hacer horas de cola y pagar precios astronómicos por un simple panino + cerveza.

En resumen, experiencia interesante, una lástima que haya tanta gente y que eso ni siquiera permita disfrutar de un relajante aperitivo al atardecer, en una terraza al aire libre con vistas al lago.

Recomiendo controlar siempre el sitio antes de ir porque a veces la cierran momentáneamente o por muchas horas para hacer “mantenimiento extraordinario”, aunque por lo general se hacen de noche, cerrando a partir de las 21. Si bien al principio estaba previsto que estuviera abierto 24 hs, el comune ha apenas emitido un informe que dice que la instalación cerrará todos los días desde la medianoche hasta las 6 de la mañana.

Para los más deportistas, se hacen también excursiones de trekking/hiking en las colinas para tener una visión a vuelo ed pájaro de la obra.

La instalación podrá ser visitada hasta el 3 de julio de 2016 y será irrepetible. Todas las piezas de plástico y polietileno serán recicladas/reutilizadas.

 

Atardecer en el MUDEC

Milán constantemente nos regala oportunidades para la cultura, que se aceptan aún más alegremente cuando suceden a la hora del famoso aperitivo milanés. Por eso el relativamente recientemente inaugurado (2015) MUDEC o Museo de las Culturas del Mundo de Milán permite el ingreso hasta las 22.30, dando suficiente tiempo para hacer una parada técnica en algún bar de la zona a degustar un Spritz o Negroni Sbagliato antes de embriagarnos de cultura. En mi caso puntual fue un Vermentino de Cerdeña en God Save the Food en Via Tortona.

Hay pocas cosas tan deliciosas como la hora del aperitivo en Milán en primavera.

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El MUDEC se encuentra en Via Tortona (zona navigli/Porta Genova para los conocedores), era un antiguo establecimiento fabril cuyo proyecto de reestructuración estuvo a cargo del estudio David Chipperfield Architects.

El hall en sí no tiene gran interés en particular, es hasta demasiado cerrado para mi gusto, hasta anodino diría, hasta que uno logra focalizar la vista en la escalera y la curiosidad empieza a tomar las riendas del recorrido. Mmm qué habrá ahí…

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Bam!

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Nos encontramos con ese espacio uterino per luminoso, del que nos cuesta salir. Representa el punto de encuentro de las diferentes culturas. Físicamente nos obliga a inclinar la cabeza hacia arriba y abrir la boca. Wow.

Pero vamos a lo que esencialmente nos trajo hasta aquí que es la exposición temporaria de Joan Miró, que por cierto va a estar hasta el 5 de setiembre así que hay tiempo todavía. Primera vez prácticamete que reporto un evento cuando aún está sucendiendo. Shame on me.

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A tomar en cuenta: todas las fotos fueron clandestinamente tomadas.

Sin ser extremadamente simplista podemos decir que la obra de Miró se puede resumir en blanco, negro, azul, verde, rojo y amarillo, pájaros/mujeres y estrellas. En mi opinión es el hijo que nunca tuvieron Mondrian y Kandinsky. Para demostrar mi teoría empiezo por una de sus obras más emblemáticas: Mujer en la noche.

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De todas formas, como pintora amateur respondo a su imaginación y creatividad, porque es muy fácil caer en decir “son garabatos”, pero se nota que cada trazo es intencional y libre a la vez en cuanto expresa perfectamente, de la forma más dinámica y orgánica, una idea o un sentimiento, no una imagen prefijada en la mente del artista. A las pruebas me remito: Figura, Pájaros III.

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Otras son dignas de tatuajes como ésta de un gallo en blanco y negro.

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El siguiente grupo de 3 lo encuentro fascinante, primero por el uso del negro y segundo porque parecen ser ventanas a través de las cuales miramos dentro de la mente creadora de Miró.
Expo 2015
Hablando de inmiscuirse en la mente creadora del autor, en diferentes puntos de la exhibición se puede acceder a dispositivos de realidad aumentada es decir, unas lentes que nos posicionan virtualmente en el taller de Miró y nos permiten mirar a nuestro alrededor (la imagen se mueve siguiendo los movimientos de nuestra cabeza en todos los sentidos para mostrarnos los espacios como los veríamos si estuviéramos parados ahí dentro). Estas cosas me encantan.

Del siguiente cuadro admiro la composición en general, tantos elementos diferentes dispuestos con tan perfecta armonía y tensión que parecería que mover o sacar uno solo de ellos haría que el resto se cayera al suelo como una torre de yenga o una pompa de jabón cuando explota.

Expo 2015

En una de sus diversas etapas creativas, Miró experimentó con los grabados, impresiones y serigrafía, lo que le permitía crear una base compositiva repetible que después alteraba de diferentes formas, como por ejemplo cambiando los colores como en Ratón negro con mantila.

Expo 2015
Y por aquí se terminó mi recorrido por la obra de Miró, pero la noche aún continuaba y el MUDEC tenía preparada otra sorpresa, ideal para una amante de las maquetas como quien escribe: una muestra llamada SEMPERING que trataba sobre proceso y patrones en la arquitectura y el diseño. Básicamente se clasificaban estos procesos en

1.Engraving (grabado o tallado)

Expo 2015

2.Tiling (embaldosado o composición en piezas modulares planas)

Expo 2015
3.Stacking (apilamiento)
Expo 2015
4.Weaving (tejido)
Expo 2015
5.Folding (plegado)
Expo 2015
6.Connecting (conectado)
Expo 2015
7.Moulding (moldeado)
Expo 2015
Y por acá terminamo el recorrido de hoy, corto pero intenso.

ExpoMilano2015_Bite I

Menos mal que, habiendo esperado unos cuantos meses antes de finalmente hacerme el tiempo para ir a la Expo, ya tenía bastante claro con qué me iba a encontrar. Obviamente que eso puede ser positivo o negativo (diría más bien negativo), pero al menos el hecho de ser consciente de la marea de gente que estaría presente hizo todo el proceso un poco menos insoportable y frustrante, sobre todo por el hecho de haberme mentalizado de antemano que algunos pabellones superhit, como el de Japón o el de Kazakhstán, no los iba a ver porque no estaba dispuesta a esperar en una cola de una hora y media bajo el fuertísimo sol del setiembre milanés, mucho menos 4 o 5 horas como está estipulado para el de Kazakhstán. No way.

De todos modos la suerte, el destino o simplemente el clima me apoyaron en este día, que no sólo fue uno de los primeros menos calurosos de los últimos dos meses sino que además no fue tan soleado.

Como decía, durante la hora que puede llevar todo el proceso de ingreso (si no se tiene ya el boleto ni fast pass) se trata sólo de gente, gente y más gente. Por suerte los dos años y medio en China me prepararon psicológicamente para el movimiento en cardumen.

Expo 2015Expo 2015

Si bien la Expo está distribuida bastante racionalmente en dos ejes, la llegada es bastante poco clara, y a uno le cuesta entender si está entrando por la calle principal o las laterales o qué. De todos modos llegar se llega.

Y nos reciben antes que nada algunas estatuas inspiradas en las pinturas de Giuseppe Arcimboldo, pocas cosas más italianas y relacionadas a la comida.

Expo 2015

En fin, como decía, la exposición está organizada en base a dos ejes, cardo y decumano, (norte-sur y este-oeste respectivamente), bases urbanísticas de la antigua Roma. El eje principal era el decumano y sobre el cardo, dedicado a Italia y rematado por el Arbol de la Vida, se ubicaban los pabellones de las diferentes regiones, provincias o empresas italianas.

Mi prioridad era básicamente visitar los pabellones de países donde no he estado para inspirarme, seguido por (obligatoriamente) el pabellón de Uruguay, y por último pabellones que me parecieran especialmente interesantes pero para los cuales no se necesitara hacer mucha cola.

Empecé por el extremo oeste del decumano con la intención de recorrerlo velozmente de punta a punta para tener una idea general de la cosa y después desandar mis pasos tranquilamente, parando en los pabellones según mi orden de prioridades.

Expo 2015

Así fue como inmediatamente a la derecha me encontré antes que nada con el pabellón dedicado a la Construcción del Duomo, emblema de Milán y coronado por el menos conocido para los extranjeros pero más aún adorado por los milaneses: la Madonnina. Che te brillet de lontan.

Expo 2015

A pesar de mi sentido amor por Irlanda, tuve que pasar del pabellón, o mi día expo corría peligro de convertirse velozmente en un día Guinness. Uno de los más interesantes para grandes y chicos era el pabellón brasilero, pero como soy una señorita y vestía pollera ese día, me abstuve.

Expo 2015Expo 2015

El cluster del arroz, paraíso de los selfistas (entre los cuales me incluyo, encuentren a Wally) y el cluster de cacao y chocolate (otra abstinencia en nombre de la figura).

Expo 2015Expo 2015

Tengo que admitir que lo de los cluster no me llamó mucho la atención (lindos por fuera pero cada mini-pabellón era digno de un mercadillo para turistas con cosas a precio inflado mínimo al 800% respecto a los precios reales en el lugar de proveniencia), así que también pasé del cluster del café y del de frutas y legumbres:

Expo 2015Expo 2015

Azerbaiyán es un país donde nunca he estado y que me genera muchísima curiosidad, pero lo tuve que descartar porque no cumplía con el requisito “poco tiempo de espera para entrar”. Como diseño rescato la pantalla de listones de madera ondulantes. La bola de vidrio le da el feeling “ex miembro de la URSS”.

Expo 2015Expo 2015

El de Emiratos Árabes me gustó mucho, claramente remitiendo al desierto no sólo en la textura si no también en las formas sinuosas y extremadamente sencillas. El hecho de que no se pudiera ver nada de lo que estaba sucediendo dentro me generaba una curiosidad increíble, pero no cumplía con el criterio “país donde aún no he estado”.

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Creo que el de Kazakhstan era el non-plus-ultra del estilo “ex miembro de la URSS” con espejitos y la cantante pop incluidos. Ninguna de las dos cosas lograron ahuyentar a la gente, y este pabellón era uno de los más solicitados.

Expo 2015

A lo largo del decumano había dispuestos diferentes stand que mostraban los productos típicos de Italia como el pan, el queso, los embutidos, etc. Me parecía una idea interesante hasta que me acerqué y vi que todo lo expuesto era de plástico al mejor estilo Disneyworld. Vaya desilusión, y se ve que no fui la única, porque no se caracterizaban precisamente por estar rodeados de un enjambre de gente…

Expo 2015Expo 2015

También el pabellón mejicano resultó ser uno de los más populares, aunque esas formas tipo hoja/pétalo se parecían demasiado a las del pabellón Alemán. ¿O viceversa? Rumania, por otro lado, es un país que fervientemente desearía visitar y además no había larga cola de espera para entrar, pero tengo que admitir que el pabellón, ese híbrido torta-sobre-torta entre construcción tradicional y minimalismo modernoso, no me inspiraba.

Expo 2015Expo 2015

Y así, como quien no quiere la cosa, llegué al cardo, en el que no podían faltar Lavazza, Martini (creo que originalmente la intención era una fachada verde, pero quizá pudo más el infernal verano milanés 2015) y el vino en todas sus expresiones (y consecuencias).

Expo 2015Expo 2015

Expo 2015Expo 2015

Obviamente la mayoría de las regiones y algunas provincias tenían su propio mini-pabellón, y por razones sentimentales gravité naturalmente hacia el de Piacenza, lugar de origen de mi familia materna, tierra de los tortelli, el pisarei a fasö, el gutturnio frizzante y los embutidos en general. En el momento de mi pasaje estaban haciendo una demostración de cómo se hace la pasta fresca.

Expo 2015

Siguiendo el cardo en dirección al Árbol de la Vida pasamos por el emblemático Palazzo Italia, diseñado por Nemesi&Partners, pensado como un híbrido entre arquitectura y escultura, en el cual la fachada representa el entrecruce de las ramas de los árboles. No me produjo ningún impacto en particular, demasiado efectismo y poca sustancia en mi opinión.

Expo 2015

Y el cardo está rematado por el gran protagonista de toda la expo, el amado por muchos y odiado por otros tantos Árbol de la vida. Tuve el gusto de verlo sea de día que durante los fuegos artificiales de medianoche y admito que tiene su gracia.

Expo 2015Expo 2015

Con esto terminamos la primer etapa de la travesía por la Expo 2015, y ni siquiera entré a un solo pabellón, así que queda aún mucho para contar en los próximos bites.

Film review_ Far from the madding crowd*

*CONTIENE SPOILERS*

Siempre fui una entusiasta de las películas de época y sobre todo de los clásicos de la literatura inglesa, por eso cuando vi que en el menú de películas para un vuelo Milán-Miami estaba Far from the madding crowd, no dudé ni un segundo en prepararme para verla.

Tengo que admitir que la historia no la tenía fresquísima en la memoria, ya que había leído una versión reducida del libro hace al menos 20 años, un librito que me regaló el instituto de inglés en el que estudiaba cuando pasé uno de los exámenes (vieja tradición del instituto).

Luego de ver la película, y shockeada por la indignación causada por lo que vi, decidí que para hacer verdadera justicia tenía que por lo menos leer el libro en versión original, full-on Queen’s English. Y así lo hice.

El libro, escrito por Thomas Hardy en 1874, en sí está muy bien escrito, no por nada es uno de los clásicos de la literatura en lengua inglesa, pero pasemos a analizar, en lo posible en paralelo película-libro, los puntos de la historia que me hacen erizar los vellos de la nuca.

Mientras el libro empieza con la descripción del granjero Oak (“Oak walked unassumingly and with a faintly perceptible bend, yet distinct from a bowing of the shoulders”, magistral), la película empieza focalizándose en la vecina Batsheba Everdene (el nombre ya dice bastante, si me entienden), incluso con una narración en primera persona, salteándose toda la parte en la que Oak ve por primera vez a Batsheba viéndose al espejo, como expresión de su vanidad y narcisismo.

Hablemos de la elección de Carey Mulligan para el rol: pasada de edad, con todo respeto. Todo lo contrario puedo decir de la elección de Matthias Schoenaerts como el granjero Oak: perfecta, al igual que la actuación. Simple, contenido, honestamente amable. Compro.

Pasamos directamente a la escena cuando se conocen y vamos a dejar pasar el hecho de que los diálogos son bastante diferentes en la película en comparación con el libro por razones obvias. Empecemos por analizar la intención de Bathsheba, poco clara sea en el libro que en la película, en el libro porque conocemos sólo tangencialmente el mundo interior de Bathsheba (prácticamente sólo por los diálogos, cuando expresa lo que piensa, o por breves descripciones más bien anecdóticas de su biografía que pueden llegar a darnos una idea de por qué actúa como actúa) y en la película por el obvio hecho de que son imágenes y no hay voz en off que nos narre lo que está pensando. Y creo que agradezco eso, o mi indignación podría ser aún peor.

Entonces, el jugueteo verbal “This is your land *conteniendo sonrisita* I’m trespassing *sonrisita*” sumado a la sonrisita que vemos cuando da la espalda a Oak, por lo menos a mí me demuestra claramente que esta mina a) está al menos mínimamente interesada o b) lo hace con todos. Más adelante demostraré por qué me inclino más hacia opción b).

002_Good afternoon

Después de muchas charlas y tiempo juntos (poco en la película, algo más en el libro), el chico se decide a largar la pregunta.

003_Marry me

Otros tiempos, en los que bastaba con encontrar carácteres más o menos compatibles como para estar seguros de que se quería pasar el resto de la vida juntos. Al menos eso es cierto para Oak, que está convencidísimo, pero evidentemente no para Bathsheba, que nos ofrece esta cara:

004_Poker face

Despué de que él se va, con toda la dignidad del mundo, ella sale a correr atrás de él, para ver si puede denigrarlo aún más. Ahí es uno de los puntos en que se separan más el libro y la película, al menos en la calidad del diálogo, porque él la hace fantasear con cómo sería la vida juntos, y en el libro ella lo ayuda a pintar el cuadro, pero no en la película, que se limita a un monólogo de Oak que ella inmediatamente se encarga de destruir en pos de la imagen de chica independiente que no se quiere casar porque no quiere “ser propiedad de nadie”. Uno puede pensar que es motivo suficiente para una mujer, siendo la época en que está ambientada la historia, y hasta apoya en cierta medida la determinación de Bathsheba de no cumplir con los preceptos sociales sin antes cuestionarlos cosa con la que estoy totalmente de acuerdo. Pero cuando se hace eso, querida Bathsheba, se hace al 100%, no con peros como vamos a ver más adelante, y ahí radica básicamente mi disconformidad con el planteo de la historia.

Punto para Oak que cuando termina el diálogo queda excelentemente parado, evidenciando que todos los motivos que le da Bathsheba para no casarse (que es demasiado independiente, que al final él la terminaría odiando, que necesita alguien que la dome bla bla bla y no sigo porque mi cuerpo está reaccionando negativamente) no son verdaderos.

Sucede que Oak pierde sus ovejas y debe vender su estancia así que se va mientras Bathsheba recibe en herencia la propiedad de un tío.

El tiempo pasa y mientras Oak vagabundea por diferentes pueblos buscando trabajo como peón se encuentra con unos graneros en llamas que oh casualidad son de Bathsheba y que èl ayuda a salvar.

Momentos después llega la gran frase, arrogante como pocas. Pensar que hoy en día la arrogancia en una mujer está mal vista, pero a Oak le sirve cualquier cosa siempre que venga de Batsheba.

000_5 Astonish

Cuando entra en escena Boldwood en el film se ve que Batsheba le pega el ojo en más de una ocasión, cosa que hace poco entendible y muy dudoso su comportamiento más adelante, pero quebremos una vara por el libro, el cual no lo muestra de esa forma, sino que presenta a Boldwood como un poco más obsesivo o, al menos, bipolar. Excelente elección de Michael Sheen para el rol. Oh casualidad Batsheba se interesa cuando su asistente le dice que Bodlwood es uno de los solterones más buscados por las mujeres de la zona y que está forrado en guita.

Y la broma de la postal que le manda a Boldwood pidiéndole que se case con èl cuando en realidad no tenía la más mínima intención me parece inmaduro y cruel. Sin embargo allá va Boldwood y contra todo pensamiento racional, se enamora de ella precisamente por ese gesto. Cabe mencionar que en la pelicula la postal dice solamente un poema, porque imagino que a los productores les daría vergüenza ser fieles al libro en esta parte. Es verdaderamente patético lo que hace Batsheba.

En la película se pierde un poco el dramatismo de toda la situación (quiero decir la poca inteligencia de Fanny y la oportunidad perdida de ver claramente una parte que para mí es fundamental del carácter de Troy) al quitar la escena en la que Troy y Fanny se encuentran afuera de la iglesia y ella le explica que fue a la iglesia equivocada y Troy trata firmemente de ocultar lo dolido que está poniendo una fachada super fría.

Otra cosa que se pierde también en la película es la discusión entre Boldwood y Batsheba cuando èl le pide casamiento. Se abre toda una nueva dimensión de la historia (dimes y diretes, Oak que ve que están hablando pero no sabe lo que están diciendo, la indignación de Batsheba con lo que le dice Boldwood, etc.) y que otra vez nos permite de entender más profundamente la personalidad de cada personaje a través de lo que dicen y hacen, a través de cómo presentan sus razonamientos.

Y ella sigue repitiendo:

006_No need for a husbad

Pero le dice:

007_Let me think

Y él sigue creyendo. ¿Realmente es tan tonta la gente cuando se enamora? ¿O no debo creer en los libros?

Después Batsheba va a hacer damage control a la casa de Oak, de noche, para “asegurarse de que nadie rumoree en los campos que ella y Boldwood estaban hablando de casarse”, no vaya a ser que los tipos se le dejen de tirar encima.

Y ahí cuando Oak le canta las 40 acerca de lo que hizo con Boldwood ella oh se ofende y lo manda a freir espárragos.

009_Your face

Solo para salir corriendo atrás de èl dos segundos despuès y rogarle que vuelva cuando se le enferman las ovejas. Pero sólo por el bien de las ovejas, ¿eh? Que quede claro.

Para dos segundos después hacer un dueto con Boldwood, para dos segundos despuès enamorarse del primer pibe que se le cruza por la calle en mitad de la noche.

Ah, pero no nos olvidemos de que antes se tiene que resistir, para no perder la costumbre.

012_Leave

Y según el libro cuál fue el gesto que hizo que Batsheba se enamorara perdidamente de Troy y lo eligiera por sobre la honestidad y fidelidad de Oak, o el dinero y la devoción de Boldwood? Que le dijo que era hermosa. Ahí tienen caballeros, es todo lo que nos interesa a las mujeres. Y la destreza con la espada, obviamente. Es todo lo que se necesita para hacernos quedar así:

013_In love

Una lástima que en un film se pierdan las sutilezas del lenguaje descriptivo:

“It may safely be asserted with respect to the closeness of his cuts, that had it been possible for the edge of the sword to leave in the air a permanent substance wherever it flew past, the space left untouched would have been almost a mould of Bathsheba’s figure.”

Por supuesto que cuando Oak/voz de la razón le advierte que Troy tiene una historia dudosa (en el libro Oak se da cuenta porque descubre que hay una enredadera que traba la puerta lateral de la iglesia por la cual Troy dice que siempre entra), cosa que se mete entre Batsheba y su objetivo, ella otra vez se ofende/enoja. Y no solo eso, si no que por caprichosa lo que hace es antes que nada avisarle a Boldwood que no la espere, si no que corre (galopa) atrás de Troy, lo va a buscar a Bath y se casa con èl. Las decisiones estúpidas las ejecutamos lo antes posible, impetuosamente porque sabemos que son una metida de pata, y a la razón le lleva un poco de tiempo despertarse. Cuando se despierta ya es demasiado tarde para evitar el desastre.

En el libro hay un diálogo fantástico entre Boldwood y Troy en el cual el primero llega a considerar darle dinero al segundo para que se case con Batsheba y “salve su honor”, al enterarse de que habían consumado la cosa. Es un diálogo lleno de sutilezas y ansiedad y emoción de parte de Boldwood y se deja entrever una cierta ambigüedad de parte de Troy en cuanto a sus sentimientos para con Batsheba. Mientras en el libro Boldwood parece más bien tonto, en el film parece solamente frío en general e impulsivo.

Así es que mientras ellos están de gran festejo gran, Oak está trabajando y se da cuenta de que se está por venir el mundo abajo. Pero como Troy no podía otra cosa que ser igual que Batsheba o sea arrogante, lo ignora completamente.

En plena tormenta es que Batsheba le confiesa a Oak que se casó con Troy porque èl le dijo que había conocido/amado una chica más linda que ella. Wow, qué motivo tan noble para casarse con alguien. Al menos admite que metió la pata, pero ahora está hasta las manos y en esa época no existía el Chapulín Colorado.

Está bien que Boldwood ha mostrado tendencias psicópato-obsesivas, pero uno no puede menos que sentir lástima cuando ve a qué punto ha llegado la inmadurez de Batsheba.

Immagine1_Grief

Y llegamos al que para mí es el verdadero climax de toda la historia: el velorio de Fanny y su bebè, cuando Troy, quien además era apostador compulsivo y había acabado con la fortuna de Batsheba, le hace el desprecio máximo que un hombre le puede hacer a una mujer que lo ama: decirle que no significa nada para él.

Por lo menos tiene la decencia de desaparecer.

Entonces Batsheba empieza a desandar el camino nuevamente y hace un medio arreglo con Boldwood, que es la carta que más le sirve en este momento porque lo necesita para salvar su granja. Pero no pierde oportunidad de despreciar nuevamente el amor de Oak, cuando le pregunta què le parece si se casa con Boldwood, porque necesita una “opinión objetiva e indiferente”. Como corresponde, San Oak la pone en su lugar diciéndole:

016_Wrong man

En la fiesta de navidad, sin embargo, ella no escatima en miraditas.

Para Boldwood:

017_For Boldwood

Ni para Oak:

018_For Oak

Por las dudas, nunca se sabe.

Obviamente cuando numero 1 vuelve desde los creídos muertos ella, a quien nunca le interesó el matrimonio, que no necesitaba un marido, piensa en volver con una basura de ser humano ignorando completamente la medio-promesa a Boldwood y el dolor que le podía causar, o las advertencias de Oak, o todo lo que le hizo Troy. Sólo porque es su marido hasta que la muerte los separe.

Menos mal que la poca razón de Boldwood pone las cosas en su lugar.

Y a esta altura yo pensaba menos mal que finalmente Oak hizo uso de la razón a su favor y decide irse lejos, bien lejos, dejando atrás a Batsheba y sus manipulaciones. Por fin Oak, serás libre de amar y ser amado por una persona que se merezca tu honestidad y tu fidelidad.

Pero no, el amor realmente hace de las personas seres deficientemente pensantes. Por eso cuando Batsheba sale a buscarlo, porque es prácticamente la única opción que le queda y ya llegó al fondo del tarro, a la última galletita, Oak decide que está bien tomar las sobras de los otros, sólo porque es Batsheba, y prefiere cuarta Batsheba, manoseada, destruida, sin casi capacidad de amar a no tener a Batsheba nunca. Y en vez de tener que rogar ella para que èl vuelva, lo manipula de tal forma que termina siendo èl el que le ruega nuevamente que se case con èl.

Triste, muy triste.

THE END

*Todas las imágenes cortesía de Fox Searchlight Pictures, que concede el uso libre de las imágenes del film con fines críticos.

El destino final II: cementerios, tumbas, mausoleos y camposantos

La propuesta de hoy es un veloz viaje alrededor del mundo para ver diferentes formas de disponer de los despojos mortales humanos.

Empezamos por lo más lejano: los cementerios japoneses.

Los cementerios japoneses se basan en los preceptos de la religión sintoísta y son, como todo lo japonés, perfectos, ordenados y limpios. Además de parecer una ciudad en miniatura para seres a escala 1/10. Cada tumba se caracteriza básicamente por el gran bloque de piedra tallado con inscripciones varias, un lugar para las velas o el incienso y se observan a veces objetos como ropa, libros, etc. que no me queda claro si pertenecían al difunto o simplemente se ponen como ofrenda como lo hacen, aunque con algunas variaciones, los chinos, que queman papeles que parecen dinero, o vestidos de papel o comida de papel con la esperanza de que les llegue a los del otro lado en forma de humo.

Nos “acercamos” un poco más y vamos a la India, donde teóricamente no se podría hablar de cementerio en el sentido occidental de la palabra ya que el objetivo es deshacerse del despojo físico de la vida humana y basta.

Tomemos como ejemplo Varanasi, a orillas del sagrado Ganges, a lo largo del cual se disponen diversos crematorios. Para los hinduístas, el ser cremado y arrojado al Ganges aumenta las posibilidades de una reencarnación en un nivel más elevado, por lo que muchas personas viajan desde muy lejos con los restos de sus seres queridos para poder cremarlos en uno de los crematorios a sus orillas.

El siguiente es uno de mis favoritos: Pashupatinath, en Kathmandú, Nepal, que constituye un verdadero complejo mortuorio con templo y hospital de moribundos incluído, para ahorrar en transporte.

Vale agregar que es el primogénito varón el que se encarga de la cremación, previo baño y rasurado de cabellera, y debe usar un vestido blanco tipo toga en señal de luto. Sólo los hombres pueden participar de la cremación y es obligado el baño antes de volver a la normalidad, ya que el ritual de cremación se considera altamente impuro.

Como mucho, como en el caso de Gandhi, se hace un memorial en el lugar de la cremación.

Nos acercamos un poco más aún y vamos a los cementerios musulmanes. En mi paso por tierras del medio oriente no tuve la oportunidad de visitar ninguno (excepto grandes memoriales). Los primeros, y hasta ahora únicos, que he logrado visitar fueron en Sarajevo y son verdaderamente fascinantes, no tanto por la estructura sino por el entorno y, obviamente, la historia que representan.

El Veliki Park o Gran Parque está ubicado al oeste de la ciudad y era antiguamente un cementerio musulmán. En prácticamente toda la extensión del parque se pueden ver tumbas de cientos de años de antiguedad.

Pero el más increíble, en mi opinión,  y sobre todo por las espectaculares vistas de los alrededores que brinda, es el cementerio Alifakovac, que es prácticamente tan viejo como la propia ciudad.

Las tumbas constan de un bloque de piedra tallado, y muchas poseen lo que yo llamo turbante en la parte superior, dándole el toque de particularidad.

 

En Croacia, específicamente en Spalato, me encontré con este cementerio judío absolutamente fascinante, también por el entorno, ya que se ubica en una colina apenas afuera de la ciudad, desde la cual se tiene una vista increíble de toda la bahía y la ciudad. Una lástima que no se vea en las fotos.

Acá pasamos a una tipología de simple lápida rectangular con inscripciones, con sólo algunas excepciones. Lo que me llamó la atención fueron las piedritas (y demás objetos, como por ejemplo un encendedor) que observé prolijamente ordenadas sobre las tumbas. Luego de una pequeña investigación me enteré de que aquellos que visitan las tumbas, en vez de dejar flores, dejan las piedritas u otros objetos como forma de indicar su visita y su recuerdo del difunto. Se aceptan correcciones en caso de que esta información no sea correcta.

Y ya que hablamos de cementerios judíos, no podemos dejar de mencionar el famoso Cementerio de Praga, el único cementerio público que he visitado en toda mi vida donde hay que pagar una entrada para entrar.

Su particularidad reside en que, debido a la falta de espacio y a la prohibición religiosa de mover de lugar las tumbas, se fueron agregando diferentes capas de tierra una arriba de la otra para alojar nuevas tumbas, generando un pintoresco hacinamiento de lápidas y un cementerio que se eleva prácticamente dos pisos desde el nivel de la calle.

Hace unos días decidí finalmente darle una ojeada al cementerio de Stradella (Provincia de Pavia, Lombardia), ya que tuve un poco de tiempo y prácticamente desde que estoy frecuentando estas latitudes he sentido siempre mucha curiosidad por los  cementerios de la zona, tan pequeñitos, introvertidos y particulares, sobre todo con las velas (algunas a batería, yikes) encendidas de noche o cuando hay una niebla muy densa.

La configuración básica de los cementerios de esta zona es una planta por lo general cuadrada o rectangular (en muy pocos casos he visto semi-circunferencias), con un ingreso principal y a veces dos secundarios, por lo general sobre la misma fachada que el principal pero de menor escala.  Todos tienen por lo menos un eje principal bien marcado que coincide con la puerta principal. Pueden tener o no ejes secundarios, dependiendo de la escala.

Los limita exteriormente un muro (a veces en los cuatro lados, a veces en tres, con la fachada principal con rejas en vez de muro), que puede contener nichos varios, panteones familiares o pequeñas capillas.

En algunos casos, sobre todo en los cementerios más grandes como éste, subterráneamente, a lo largo del muro principal, se disponen los nichos correspondientes a los panteones en la superficie. Éstas, en particular y gracias al pasillo sin salida (una vez que uno llega allá al fondo se da cuenta de que no hay ninguna puerta y tiene que recorrer nuevamente el pasillo sorteando todos los posibles zombies, espírituso malignos y demás seres de ultratumba que se puedan interponer en el camino hacia la salida), resultó ser bastante perturbador.

En el espacio central se disponen ordenadamente las tumbas a tierra.

En la zona, pero en la región de Emilia-Romagna, encontramos el Cementerio de Módena, proyectado por nuestro querido Aldo Rossi. Es una obra que elevó por sobre su tipología para transformarse en un clásico de la arquitectura contemporánea y una obra icónica de su diseñador. Con su estilo despojado y formas icónicas no directamente identificables con una corriente en particular sino que resuenan en nuestra memoria colectiva, generan una sensación de surrealismo e intemporalidad brutales.

Empezando por el osario, con sus incisiones cuadradas al exterior pero que dentro generan aberturas en forma de cruz cristiana.

Siguiendo con la contemporaneidad pero más norteña, tenemos el Cementerio de Estocolmo, obra maestra del arquitecto Gunnar Asplund.

Se podría decir que tiene ciertas resonancias con el Cementerio de Módena en cuanto al despojo e intemporalidad, pero en vez de apuntar al surrealismo, tiene toques más poéticos y me atrevería a decir hasta románticos, con algunos gestos un poco más dramáticos como la gran cruz de la entrada que hace de cruz común para todas las tumbas allí contenidas.

Dramático grupo escultural en el crematorio.

Por lo demás es bastante estándar.

Excepto por alguna que otra tumba famosa.

Y el sueño de todo arquitecto: se enterrado dentro de su propia obra maestra.

Siguiendo en la zona norte, pero esta vez en América, les muestro el pequeño y antiguo cementerio de la Trinity Church, cerca de Wall Street en Nueva York, que hoy cumple doble función como lugar de pausa en medio del caos de la Gran Manzana.

 Yo siempre me las arreglo, sea donde sea, para encontrar algún que otro guiño a la masonería, pero en Estados Unidos  están a la orden del día.

Y hasta aqui llegamos, señoras y señores, con nuestro pequeño viaje por los cementerios del mundo. Nos vemos en la próxima entrega que será dedicada a los enterramientos monumentales.

El destino final I: cementerios, tumbas, mausoleos y camposantos

Y llegó la hora de presentar otro de mis intereses en el campo cultural artístico, al que he dedicado gran parte de mis estudios teóricos y tiempo durante mis viajes: cementerios, mausoleos, memoriales y camposantos.

Todo surgió durante un estudio que hice en mis primeros cursos de Teoría de la arquitectura, con una tesina dedicada al estudio urbanístico/arquitectónico/artístico del cementerio de mi ciudad, Salto, que despertó una curiosidad por este tipo de lugares aún no satisfecha pasados ya casi 15 años. A eso siguió el diseño de un panteón para el mismo cementerio, pasando luego por el estudio de la simbología relacionada a la muerte.

Empecemos por los cementerios que son casi una reproducción en miniatura de la ciudad, con sus callecitas, barrios, zonas para los ricos con sus panteones-mansiones, zonas para los menos ricos que viven/descansan en edificios de apartamentos/nichos, y lugares para los aún menos ricos, sin pavimento ni numeración ni nombres en placas de bronce. Por hoy, éste será el tipo de cementerio que nos interesará.

Un buen ejemplo de esto es el cementerio de La Recoleta, en Buenos Aires:

El equivalente a los edificios de apartamentos: Con todo y sus edificios antiguos y/o en reforma:

Alguna que otra cosa un poco más fuera de lo común: Y un bonus por contar con tumbas de personajes célebres:

Una de las cosas que más disfruto de los cementerios es ver las esculturas; basta un poco de telas de araña, musgo  o un juego de luces y sombras correcto para que la carga simbólica y expresiva se aprecie al máximo.

Las columnas truncadas simbolizan una vida terminada antes de tiempo pero…¿cuál no lo es?

Creo que este no requiere explicación alguna, pero se dice que representan el cráneo y tibias de Jacques de Molay, último maestro de los Caballeros Templarios, que fueron retiradas de las cenizas por sus fieles, luego de ser éste quemado en la hoguera el viernes 13 de octubre de 1307.

Incluso después de años de estudiar simbología, siempre me encuentro con algo que me deja perpleja, como éste. Asumo que la esfera es un globo terráqueo, pero la forma de S podría ser el eje (¿quizá el que une tierra y cielo?) o las dos serpientes del caduceo de Mercurio, pero en la parte inferior se parece a un reloj de arena. Después está la especie de “nube” alrededor del globo que parece surgir de la forma en S, y ni hablemos del “soporte” del globo. Como se dice en inglés “your guess is as good as mine”.

Otro clásico que no requiere explicación: el reloj de arena con alas. Aunque a estos gatos parece no interesarles que el tiempo vuele.

Sin embargo, no nos olvidemos de uno de los clásicos: el cementerio de Père-Lachaise, en París, que seguramente es el número uno en cuanto a número de cadáveres célebres que aloja se refiere. Ya el hecho de que ofrezcan una lista de las tumbas con las coordenadas para ubicarlas dice bastante.

Y también estaba la de Edith Piaf, por ejemplo, pero sin duda la más visitada es la de Jim Morrison:

No me sorprende que sea un cementerio italiano el que considero de mayor calidad escultórica, además de tener una distribución muy clara y limpia, con sorpresas aquí y allá y algún que otro toque contemporáneo: el cementerio Monumental de Milán.

El edificio principal funciona como acceso pero alberga otras funciones como capilla, mausoleos y memoriales varios. Otra observación del cementerio en general es que no transmite la sensación de decadencia y abandono que suelen transmitir estos lugares sino que, por el contrario, da una sensación de grandeza, gloria y orgullo como sólo los milaneses saben hacerlo.

Y mientras algunos se aburren…

…otros se vuelcan a la vida religiosa…

…o (¿re?) encuentran el amor.

Algunos, como la del frente, parece haber aceptado su destino, pero al del fondo lo capté en plena ejecución de su intento de fuga.

Si partimos de la base que las esculturas representan en esencia el carácter de las personas en vida, las siguientes son bastante elocuentes.

Este señor, por ejemplo, no parece haberse portado muy bien con su mujer, y ella está determinada a hacérselo pagar por el resto de la eternidad:

A ésta parecía gustarle mucho tomar sol:

Y a esta otra bueno…a buen entendedor…

¿Escultura mortuoria para una joven arquitecta/viajera?

Ésta nos advierte de los peligros de estar obsesionada con el laciado del cabello. Una muerte terrible, sin lugar a dudas.

Tengo que admitir que las tumbas de niños siempre me dieron impresión:

A veces no es necesario tener una imaginación muy desarrollada para ver más que simplemente sombras:

El personaje más célebre que encontré:

Como tantos otros del mundo occidental, el Monumental es también profuso en referencias masónicas:

Éste seguro era algún arquitecto setentoso que literalmente llevó su parcialidad por las paraboloides hiperbólicas y el acero inoxidable hasta la tumba.

Y termino con una de las construcciones que más disfruté, ¿arquitectura escultórica o escultura arquitectónica?

Así es casi imposible no caminar hacia la luz…

Paseo por la Pinacoteca de Brera

Milán es una ciudad cargada de historia, arte, arquitectura y diseño de primer nivel, pero también de un estilo de vida bastante “impegnativo” como se dice en italiano, en el sentido de que deja poco espacio para disfrutar de esos aspectos, lamentablemente. Por fortuna, sin embargo, me pude dar el gusto de visitar la famosa Pinacoteca di Brera, donde se aloja una de las colecciones más importantes del arte veneto-lombardo (antiguo y contemporáneo) de Italia.

El edificio es ya de por sí cautivante, con el patio central gobernado por una escultura gigante de un Napoleón deificado al mejor estilo grecorromano y rodeado por una columnata en dos plantas. En la segunda planta, la amplia galería aloja esculturas y permite apreciar el resto de la arquitectura, de escala justa y estilo sin pretensiones.

Esta foto salió bastante bien, pero pido disculpas por adelantado por las que vienen. Definitivamente no mi mejor momento en fotografía.

Siendo una persona que prefiere siempre las sorpresas a la planificación previa por creer que la intuición y la no programación logra elevar el nivel de la experiencia, ni siquiera me molesté en estudiar con anterioridad qué obras estaban contenidas en la colección y con qué cosa me iba a encontrar más que el titular “una de las mayores colleciones de arte veneto-lombardo”. Por eso empecé inocentemente saboreando cada uno de los cuadros, dípticos y trípticos con sus dorados y colores brillantes y santos siendo martirizados en las formas más variadas y perversas sin saber que lo que me esperaba eran dos horas y media más de santos, madonninas, pietàs y cabezas de San Juan el Bautista en sus diversas variantes, ya que el 97% de la colección es arte sacro. En fin.

La muestra en vigencia era sobre Bramante y tengo que admitir que me esperaba más, mucho más, pero lo más atractivo que encontré fue un dibujo a mano de una figura humana en una hoja de papel de un tamaño no mayor a 12×25 cms. Continuamos.

Ya entrados en el Renacimiento, el primero que me llama la atención no es otro que Il miracolo di San Marco, de Jacopo Robusti alias Tintoretto. Brutal la perspectiva, el uso de la luz, el misterio de los tipos que están abriendo una puerta en el suelo al final del pasillo…a googlearlo porque no saqué foto.

Pasando a otra categoría, la de la naturaleza muerta (que no es precisamente mi categoría favorita sobre todo en la faceta animales muertos), hay que hacer mención especial por el esfuerzo a Vincenzo Campi y su Fruttivendola, pero en mi opinión no logra representar fehacientemente el peso de las frutas.

Lo que me llevó a pensar, por ejemplo, en La Pietà de Miguel Àngel y la magistral representación (entre muchos otros atributos) de algo tan poderoso pero a la vez tan invisible como la gravedad y la forma en que las cosas la evidencian al deformarse bajo su efecto.  Evidentemente no es soplar y sacar botella.

El que logró bastante bien fue Evaristo Baschenis en su – atentos al originalísimo nombre – Natura Morta.

Ya que estamos hablando de cosas un poco macabra, siempre me llamaron la atención las pinturas del tardo 500, por lo general de la escuela flamenca pero que por lo visto tuvo sus adeptos también en Italia, cuyos autores se empeñaron en representar los rostros de los humanos en una manera bastante perturbadora/caricaturesca. En estos casos el primero en el que pienso es siempre Peter Bruegel, pero en Italia estaba el anteriormente mencionado Vincenzo Campi, esta vez con Cucina.

Un género sobre el que tengo que admitir que no había reparado antes y que quizá ni siquiera es un género “oficial” sino que me lo inventé yo, es el de lo que llegué a llamar “Escultura pintada” o “Pintura esculturizada” y que también me recuerda mucho a la técnica del grabado. Me avisan si el término ya está acuñado o hay copyrights involucrados.

Algunos ejemplos:

Lorenzo Leonbruno, Allegoria della Calunnia (aunque en el marco dice Allegoria della Fortuna). Vamos, que cualquiera se da cuenta que no es de lo más agraciada, pero aprecio la técnica.

Y este otro de Perin del Vaga, Il passaggio del Mar Rosso:

Sin querer queriendo me encontré con la primer “gran” obra maestra en el recorrido, Lo sposalizio della vergine de Rafaello Sanzio. Un clásico que estudié en diferentes cursos desde diferentes puntos de vista, desde dibujo por el uso innovador de la perspectiva a historia de la arquitectura según el método iconográfico. Rafaello siempre me emociona, y esta vez no fue la excepción.

Pasé fugazmente por muchas obras “supersize” pero que son demasiado esfumadas para mi gusto como la siguiente. Lamentablemente no tomé nota de obra ni autor. Para ambos, mis mayores respetos.

Prefiero estilos más definidos, como el de Guido Reni en I santi Pietro e Paolo, a pesar de que las telas está un poco acartonadas, la definición y el realismo es mucho mayor, tiene más profundidad de luces y de planos.

Uno que cada vez se está ganando un puesto cada vez más alto en mi lista es el milanés Michelangelo Merisi alias Caravaggio. Si bien siempre lo tuve en mente como uno de los grandes maestros clásicos, no había reparado particularmente en ninguna de sus obras, hasta que vi su Cattura di Cristo en la National Gallery of Ireland en Dublín y tuve que prácticamente despegar mis ojos de la pintura con las manos para poder seguir adelante porque no me cansaba de verla. En la Pinacoteca hay muchas de sus obras, como por ejemplo La cena di Emaus.

Admiro la capacidad de transformar escenas míticas en escenas de la vida cotidiana en una forma tan realista y a una escala tal que nos hace sentir partícipes de la escena. Bonus extra por no poner los aritos alrededor de las cabezas.

Uno que admiré particularmente fue La Madonna col figlio, Santi e Dottori della Chiesa de Girolamo Genga, por la forma en que el grupo celeste flota “pesadamente” sobre el segundo y por un detalle particular en la esquina inferior derecha que me parece adorable y bien logrado.

Respeto el arte y el talento, y no quiero despreciar el logro que es ser expuesto en nada menos que la Pinacoteca de Brera, pero a veces una está de buen humor y se encuentra con un ejemplo que la hace tener que contener la risa. Cosme Tura, Cristo Crocifisso:
No sé ustedes, pero yo no veo otra cosa que Jesús haciendo bungee jumping y que me quemen en la hoguera por hereje y blasfema.
Pasando a una nota diametralmente más seria, me interesó mucho Il martirio dei frati Francescani a Nagasaki de Tanzio da Varallo, como si no hubiera pruebas suficientes de que basta un poco de curiosidad para aprender mucho más que solamente de pintura cuando uno va a un museo.
 La historia parece haber sido que el gobierno de fines del SXVI en Japón (shogun) prohibió la predicación de la religión católica por miedo a que se repitiera lo que había sucedido poco antes en Filipinas, donde los españoles habían logrado establecerse en el poder luego de que toda la población se convirtiera al cristianismo, so pena de muerte (preferiblemente por crucifixión, aparentemente para mantener cierta coherencia) para todo aquel que se atreviera a hacerlo. Los 26 de Nagasaki (entre misioneros, catequistas y colaboradores, tanto adultos como niños) fueron la primer tanda, el 5 de febrero de 1597. Cuanto más me esfuerzo, cuanto más leo y me informo, más lejos me siento de ser capaz de entender las persecuciones, torturas y genocidios varios por motivos religiosos.
Y ya que estamos me quejo de no haber visto ninguna obra hecha por una mujer.
Encontré y admiré muchas obras de Giovanni Antonio Canal alias Canaletto, únicas.
Veduta del bacino di S. Marco:
Veduta del Canal Grande:
Le saco un par de puntitos porque vista de cerca, el agua no me parece del todo bien lograda. Me convenció más cómo la hace Francesco Guardi en Veduta del Canal Grande, aunque, a juzgar por la inquietud del cielo, no parece que haya sido una persona muy relajada:
 Y en la sala donde nos recibe un poster gigante de una película del Lejano Oeste protagonizada por Brad Pitt…
 …me encuentro, de sorpresa, con esta obra con la que sin querer tengo una conexión especial y no sólo porque es un imán que está pegado a una heladera que abro bastante frecuentemente: Il Bacio de Francesco Hayez.
Hablando de capacidad de representación…la intimidad del gesto junto la perfección y realismo del tejido, no logran otra cosa que hacernos partícipes de un momento y a la misma vez hacernos sentir que quizá no deberíamos estar presenciándolo.
Antes de terminar el recorrido me detuve en una obra ya un poco más moderna, Pascoli di primavera de Giovanni Segantini (el efecto fuera de foco es todo mérito de mi pulso):
Mucho había leído sobre el puntillismo pero poco y más bien nada sobre el divisionismo o cromoluminarismo de la pintura neoimpresionista que, en vez de mezclar los colores antes de apoyar el pincel sobre el lienzo, usaban los colores puros en hilos de espesor milimétrico y los agrupaban de forma tal que dejan al ojo la tarea de mezclar los pigmentos y formar el color. Básicamente el puntillismo funcionaba de la misma forma, pero nunca había tenido la oportunidad de ver una obra que usara esta técnica de los hilos ínfimos. Impresionante, justamente.

Y para terminar, los dejo con algunas vistas random de las salas.